Proces demokratyzacji literatury spotyka się z reakcją klas panujących. W kręgach władzy dworskiej zaszczepia się sztuczny normatywny styl ceremonialny, elementy ukraińskiego baroku.

Problem baroku w literaturze rosyjskiej. Termin „barok” został wprowadzony przez zwolenników klasycyzmu w XVIII wieku. na określenie sztuki szorstkiej, pozbawionej smaku, „barbarzyńskiej” i pierwotnie kojarzony był tylko z architekturą i sztuki piękne. Termin ten wprowadził do krytyki literackiej w 1888 r. G. Wölfflin w pracy „Renesans i barok”. Podjął pierwszą próbę określenia cech baroku, sprowadzając je do malowniczości, głębi, otwartości formy, czyli cech czysto formalnych. Współczesny francuski badacz Jean Rousset w swojej pracy „Literatura epoki baroku we Francji” (1954) sprowadza barok do ekspresji dwóch charakterystycznych motywów: niestałości i dekoracyjności. W odniesieniu do literatury rosyjskiej termin „barok” wprowadził L. V. Pumpyansky.

Szerokiej interpretacji baroku dokonał węgierski uczony A. Andyal w książce „Barok słowiański”. Jego punkt widzenia rozwinął A. A. Morozow, który całą literaturę drugiej połowy XVII i pierwszej połowy XVIII wieku skłonny jest przypisywać barokowi, widząc w tym kierunku wyraz tożsamości narodowej literatury rosyjskiej . Punkt widzenia A. A. Morozowa wywołał ostre obiekcje ze strony P. N. Berkowa, D. S. Lichaczowa, czeskiej badaczki S. Matkhauzerowej.

P. N. Berkow wypowiadał się w zdecydowany sposób zaprzeczając istnieniu rosyjskiego baroku i podnosząc kwestię konieczności uwzględnienia rosyjskiej virsche poezji i dramaturgii końca XVII wieku. jako narodziny nowego kierunku klasycystycznego. S. Matchauzerowa doszła do wniosku o istnieniu w literaturze rosyjskiej końca XVII wieku. dwa kierunki baroku: narodowy rosyjski i zapożyczony polsko-ukraiński.

D.S. Lichaczow uważa, że ​​należy mówić o istnieniu tylko rosyjskiego baroku, który pierwotnie zapożyczony został z literatury polsko-ukraińskiej, ale potem nabrał własnych, specyficznych cech.

Na początku lat 60. I. P. Eremin szczegółowo i szczegółowo przeanalizował cechy rosyjskiego baroku w poezji Symeona Połockiego. Wnioski i obserwacje tego naukowca są ważne dla zrozumienia tego problemu.

Mimo znacznych różnic w poglądach na barok w literaturze rosyjskiej badacze ustalili najważniejsze cechy formalne tego stylu. Charakteryzuje się estetycznym wyrazem przesadnego patosu, celowej wielkości, ceremonializmu, zewnętrznej emocjonalności, nadmiernym nagromadzeniem w jednym dziele pozornie nieprzystających do siebie elementów stylistycznych o ruchomych formach, alegorycznej, ornamentalnej fabule i języku.

Należy rozróżnić dwa różne aspekty w treści terminu barok: a) barok jako metoda i styl artystyczny, który powstał i rozwinął się w określonej epoce historycznej; b) barok jako rodzaj twórczości artystycznej przejawiający się w różnych okresach historycznych.

Barok jako styl ukształtował się w Rosji w drugiej połowie XVII wieku i służył rodzącemu się oświeconemu absolutyzmowi. W swojej społecznej istocie styl barokowy był zjawiskiem arystokratycznym przeciwstawianym literaturze demokratycznej. Ponieważ przejście do baroku w literaturze rosyjskiej odbywa się nie od renesansu, jak na Zachodzie, ale bezpośrednio od średniowiecza, styl ten był pozbawiony nastrojów mistycznych i pesymistycznych i miał charakter edukacyjny; jego formacja przeszła przez sekularyzację kultury, czyli wyzwolenie jej spod kurateli kościoła.

Pisarze rosyjskiego baroku nie odrzucali jednak całkowicie poglądów religijnych, lecz przedstawiali świat w sposób skomplikowany, uważali go za tajemniczy niepoznawalny, choć ustalali związki przyczynowo-skutkowe zjawisk zewnętrznych. Odchodząc od starej średniowiecznej symboliki religijnej, z uwagą przyglądali się sprawom świata, żyjąc życiem ziemskiego człowieka i wysuwał postulaty „rozsądnego” podejścia do rzeczywistości, pomimo uznania idei losu i woli Bożej, połączonej z dydaktyzmem. Na tym systemie poglądów zbudowano fikcję, system alegorii i symboli oraz złożoną, czasem wyrafinowaną strukturę dzieł.

Styl barokowy w literaturze rosyjskiej przełomu XVII i XVIII wieku przygotował pojawienie się rosyjskiego klasycyzmu. Otrzymał najbardziej wyraziste wcielenie w stylu poezji Virche, dramaturgii dworskiej i szkolnej.

Powstanie i rozwój rosyjskiej poezji książkowej. Jeden z ważnych czynników w historii literatury rosyjskiej XVII wieku. było pojawienie się i rozwój poezji książkowej. Kwestia jego pochodzenia, przyczyn występowania zajmowała i zajmuje wielu badaczy. Nawet w ostatnim stuleciu rozwinęły się dwa przeciwstawne punkty widzenia. A. Sobolewski uważał, że wersety sylabiczne - wersety (z łac. versus - wers) powstały pod wpływem poezji ukraińskiej i polskiej. LN Maykop argumentował, że „pierwsze eksperymenty z rymowanymi wierszami pojawiły się, że tak powiem, same w sobie, aw każdym razie nie jako imitacja zachodnioeuropejskich wersetów sylabicznych z rymami”.

Znaczący wkład w badanie początkowego etapu rozwoju poezji rosyjskiej wnieśli radzieccy badacze A. V. Pozdneev, L. I. Timofeev i A. M. Panchenko.

Pojawienie się poezji książkowej datuje się na pierwszą tercję XVII wieku. i wiąże się ze wzmocnieniem roli miast w życiu kulturalnym kraju oraz dążeniem zaawansowanych warstw rosyjskiego społeczeństwa do opanowania dorobku kultura europejska, a także, zdaniem A. M. Panczenki, osłabienie roli folkloru. Rosyjski wiersz mowy opiera się z jednej strony na deklamacyjnym wierszu błaznów, z drugiej strony korzysta z doświadczeń ukraińsko-polskiej poezji sylabicznej.

W okresie zmagań narodu rosyjskiego z polską interwencją, w związku z umacnianiem się pierwiastka uczuciowego i dziennikarskiego w literaturze, pojawiają się pierwsze próby podania próbek mowy poetyckiej. W „Opowieści” Awraamy Palicyna często spotykamy się z rymowaną organizacją mowy narracyjnej. Księga kroniki, przypisywana Katyriewowi-Rostowskiemu, kończy się wierszami rymowanymi. Jak zauważa L. I. Timofiejew, wiersz w tych utworach jest w całości oparty na wyrazistości środków mowy i nie odwołuje się do żadnych elementów muzykalności. Jednak struktura mowy wersetu pozwoliła przekazać stan wewnętrzny osoby, jej indywidualne doświadczenia. Wiersz nie był jeszcze uporządkowany rytmicznie: liczba sylab w wersie zmieniała się swobodnie, nie zwracano uwagi na naprzemienność akcentów, rym stosowano głównie w rodzaju werbalnym, męskim, żeńskim, daktylicznym i hiperdaktylicznym. Te tak zwane przedsylabowe wersety stają się coraz bardziej popularne.

Jednak wraz z wersami przedsylabowymi już w pierwszej tercji XVII wieku. pojawiają się wersety sylabiczne. Potwierdzają się one głównie w gatunku listu. Tak więc w 1622 roku książę S. I. Szachowski „Wiadomość do pewnego przyjaciela jest bardzo przydatna w przypadku boskich pism” kończy się 36 rymowanymi liniami nierównych sylab.

Ksiądz Iwan Nasedka kończy polemiczny traktat Ekspozycja o Luthorach wersetami sylabicznymi. „Wiele wyrzutów”, donosy napisane wierszem przez księcia I. A. Khvorostinina. Pod koniec życia tworzy polemiczny traktat poetycki skierowany przeciwko heretykom - "Przedmowę układa się w dwuwierszowej zgodzie, krawędź zaklęcia" w 1000 wersów poetyckich.

W pierwszej połowie XVII wieku. istnieją zbiory listów napisanych wersetami sylabicznymi. W jednym z tych tomów znajdują się wiersze „referentów” Drukarni o dość zróżnicowanej tematyce. Sylabiczne pieśni książkowe powstały na początku lat 50. XVII wieku. poetów szkoły Nikona. Wśród tych poetów wyróżnia się Herman, który wykazał się szczególną wirtuozerią w opracowaniu akrostychu, który można czytać od prawej do lewej i odwrotnie, od dołu do góry i od góry do dołu. Wersety sylabiczne zaczynają być stosowane w opisach herbów, w „Carskiej księdze tytułowej” z 1672 r., w inskrypcjach na ikonach, drukach ludowych.

Ważną rolę w rozwoju poezji sylabicznej odegrała twórczość Symeona Połockiego i jego uczniów Sylwestra Miedwiediewa i Kariona Istomina.

Symeon Połocki(1629-1680). Z pochodzenia Białorusin Symeon Połocki otrzymał szerokie wykształcenie w Akademii Kijowsko-Mohylańskiej. Po przyjęciu monastycyzmu w 1656 r. został nauczycielem w „szkole braterskiej” w rodzinnym Połocku. W 1661 r. miasto zostało przejściowo zajęte przez wojska polskie. Połocki przeniósł się do Moskwy w 1664 r. Tutaj uczył urzędników zakonu tajnych spraw języka łacińskiego, dla którego utworzono specjalną szkołę w klasztorze Spasskim. W 1667 r. Car Aleksiej Michajłowicz powierzył Symeonowi z Połocka wychowanie swoich dzieci - najpierw Aleksieja, a następnie Fiodora.

Połock bierze czynny udział w walce ze staroobrzędowcami. Na soborze kościelnym w 1666 r. przemawia traktatem teologicznym „Różdżka rządu”, w którym spiera się z „petycją” księdza Nikity i księdza Łazarza. Na osobistą prośbę króla podróżuje trzykrotnie, aby upomnieć Habakuka.

Symeon z Połocka poświęcił swoją działalność walce o szerzenie oświecenia. Aktywnie uczestniczy w sporach między zwolennikami szkolnictwa greckiego i łacińskiego, stając po stronie tego drugiego, gdyż obrońcy greckiego systemu szkolnictwa dążyli do podporządkowania rozwoju szkolnictwa kontroli kościoła. Połocki uważał, że główna rola w rozwoju szkolnictwa należy do szkoły i zwracając się do króla, namawiał go do budowy szkół i "nabywać" nauczyciele. Opracowuje projekt stworzenia pierwszej wyższej uczelni w Rosji - akademii. Na krótko przed śmiercią napisał projekt statutu przyszłej akademii. Symeon z Połocka przewidział w nim bardzo szerokie studium nauk – zarówno cywilnych, jak i duchowych.

Połocki przywiązywał wielką wagę do rozwoju druku: „Nic nie rozszerza takiej chwały jak pieczęć” on napisał. Z jego inicjatywy i osobistej prośby do cara Fiodora Aleksiejewicza w 1678 r. otwarto na Kremlu drukarnię „Górną”.

Jednym z ulubionych zajęć Symeona Połockiego było "rymowy", tj. poetycka działalność literacka, która przyciągnęła uwagę wielu historyków literatury.

Początki twórczości literackiej Symeona Połockiego sięgają czasów jego pobytu w Akademii Kijowsko-Mohylańskiej. W Połocku pisze wiersze po polsku, białorusku, ukraińsku, ujawniając niezwykły talent poetycki: tworzy elegie, poemat satyryczny skierowany przeciwko szwedzkiemu królowi Gustawowi Adolfowi, fraszki (w ich starożytnym znaczeniu). Przybywając do Moskwy, Połocki pisze wiersze tylko po rosyjsku. Tutaj jego twórczość poetycka osiąga najwyższy rozkwit. Jak zauważył jego uczeń - Sylwester Miedwiediew, Połock „na każdy dzień, mając gwarancję pisania w pół tuzinie i pół zeszytów, a jego pismo jest bardzo małe i wyniosłe”.

Wiersz sylabiczny Połockiego powstał pod bezpośrednim wpływem wiersza ukraińskiego i polskiego. Jednak możliwość użycia jedenasto- i trzynastozgłoskowego wiersza z obowiązkowym parowanym rymem żeńskim w rosyjskiej wersyfikacji została przygotowana przez długi rozwój historyczny. środki wyrazu organicznie nieodłącznie związany z rosyjskim językiem książkowym. Wiersz sylabiczny Symeona z Połocka był ściśle związany z tą wytworną księgą "Słoweński" którym celowo sprzeciwiali się językowi mówionemu.

Połocki przywiązywał wielką wagę edukacyjną i wychowawczą do swoich dzieł poetyckich. Połocki widział wysokie powołanie poety w zdolności przyciągania „plotki i serca” ludzi. Uważał, że potężna broń poezji powinna być używana do szerzenia oświecenia, świeckiej kultury i poprawiania koncepcji moralnych. Ponadto werset ten powinien posłużyć za wzór dla wszystkich, którzy je wpisują „Słoweński język książkowy”.

Symeon z Połocka występuje jako pierwszy nadworny poeta, twórca panegiryków uroczystych, będących pierwowzorem ody pochwalnej.

W centrum panegirycznego wersetu stoi obraz idealnego oświeconego autokraty. Jest uosobieniem i symbolem państwa rosyjskiego, żywym ucieleśnieniem jego siły politycznej i chwały. Musi poświęcić swoje życie dobru państwa, dobru swoich poddanych, dbać o nich „użytek cywilny” i ich oświecenia, jest surowy i miłosierny, a jednocześnie dokładny wykonawca obowiązujących praw.

Panegiryczne wersety S. Połockiego noszą „charakter złożonej struktury słowno-architektonicznej - widowiska słownego”. Takimi są na przykład panegiryczny werset „Rosyjski orzeł”. Na tle rozgwieżdżonego nieba słońce świeci jasno czterdziestoma ośmioma promieniami poruszającymi się po zodiaku; cnoty cara Aleksieja są wpisane w każdy z jego promieni. Na tle słońca dwugłowy orzeł w koronie z berłem i kulą w szponach. Sam tekst panegiryku napisany jest w formie słupa – kolumny wspartej na podstawie tekstu prozatorskiego.

Jak zauważa I. P. Eremin, poeta zbierał do swoich wierszy głównie rzadkie rzeczy, „ciekawostki”, ale widział w nich tylko „znak”, "hieroglificzny" prawda. Nieustannie przekłada konkretne obrazy na język abstrakcyjnych pojęć, logicznych abstrakcji. Na takim przemyśleniu zbudowane są metafory S. Połockiego, pretensjonalne alegorie, chimeryczne porównania.

S. Połocki wprowadza do swoich panegiryków imiona starożytnych bogów i bohaterów: Foyer(Febus) złoty”, „złotowłosy Kinfey”, „łono Dievo”(Zeus), „Diva ptak”(orzeł). Współistnieją one bezpośrednio z obrazami mitologii chrześcijańskiej i pełnią rolę czystej konwencji poetyckiej, będącej środkiem kreowania hiperboli. S. Polotsky kultywuje kręcone wiersze w formie serca, gwiazdy, labiryntu.

Cechy stylu S. Połockiego – typowy przejaw literackiego baroku 2 . Wszystkie wersety panegiryczne (800 wierszy), wiersze na różne okazje życia dworskiego S. Połocki połączył w zbiór, który nazwał „Rhymologion” (1679-1680).

Oprócz wierszy panegirycznych S. Połocki pisał wiersze na różne tematy. Połączył 2957 wersetów różnych gatunków („podobizny”, „obrazy”, „przysłowia”, „interpretacje”, „epitafium”, „obrazy podpisu”, „opowieści”, „nawoływania”, „denuncjacje”) w zbiorze „ Vertograd (ogród ) wielokolorowy ”(1677-1678). Poeta nadał temu zbiorowi charakter encyklopedycznego leksykonu poetyckiego: wersety ułożone są tematycznie w alfabetycznym porządku tytułów. Wszystkie dzieła zarówno o tematyce świeckiej, jak i religijnej mają charakter moralizujący. Poeta uważa się za nosiciela i kustosza najwyższych wartości religijnych i moralnych i stara się zaszczepić je w czytelniku.

W wierszach S. Polotsky stawia pytania moralne, próbując dać uogólnione obrazy „dziewice”("Panna"), „wdowy”(„Wdownictwo”), rozważa kwestie małżeństwa, godność, honor itd. Tak więc w wierszu „Obywatelstwo” S. Połocki mówi o potrzebie ścisłego przestrzegania ustalonych praw przez każdą osobę, w tym władcę. Poeta uważa pracę za podstawę społeczeństwa, a pierwszym obowiązkiem człowieka jest praca dla dobra społeczeństwa. Poeta po raz pierwszy zarysował temat, który zajmie poczesne miejsce w rosyjskiej literaturze klasycznej – temat przeciwstawienia się idealnemu władcy, oświeconemu władcy tyranowi, okrutnemu, samowolnemu, niemiłosiernemu i niesprawiedliwemu.

Filozoficzne pytanie o sens życia stawia S. Polotsky w wierszu „Godność”. Poeta widzi prawdziwą błogość nie w pogoni za zaszczytami, stopniami, szlachetnością, ale w zdolności człowieka do robienia tego, co kocha.

Ważnym działem poezji S. Połockiego jest satyra - „denuncjacja”. Większość jego prac satyrycznych ma uogólniony moralistyczny, abstrakcyjny charakter. Takie są na przykład donosy „Ignoranci” skierowane przeciwko ignorantom w ogóle; „Czarnoksięstwo”, odkrywcze „dzieci”, „szeptacze”.

Najlepsze dzieła satyryczne S. Połockiego to jego wiersze „Kupiec” i „Mnich”.

W satyrze „Kupiec” poeta wymienia ośmiu śmiertelników „grzechy do rangi kupca”. Te „grzechy” – oszustwa, kłamstwa, fałszywe przysięgi, kradzieże, chciwość – odzwierciedlają rzeczywistą praktykę społeczną kupców. Jednak w wierszu nie ma określonego obrazu satyrycznego. Poeta ogranicza się do prostego stwierdzenia grzechów, by zakończyć napomnieniem moralnym. „synowie ciemności zawzięcie odkładają sprawy ciemności”, aby uniknąć przyszłych mąk piekielnych.

Satyra „Mnich” zbudowana jest na opozycji ideału do rzeczywistości: na początku poeta opowiada o tym, jaki powinien być prawdziwy mnich, a następnie przechodzi do donosu.

Ale niestety oburzenie! Dobra ranga zginie.

U wielu zmienia się monastycyzm w rozpustę.

Satyryczne szkice pijaństwa, obżarstwa, rozwiązłości moralnej mnichów podane są dość obrazowo:

Nie tylko świeccy pracują w łonie matki,

Eliko wtedy mnisi dają wodę, nasycają.

Wielkopostny wybór prowadzenia życia.

Dążę do tego, aby jeść, pić ...

Mnozi z boi winnych źle przeklinają,

Szczekają, oczerniają, zawstydzają i uczciwie odważnie...

W owczej skórze są drapieżne woski,

Łono pracuje, duch ginie.

S. Polotsky pospiesznie podkreśla, że ​​​​w jego satyrze nie mówimy o wszystkich mnichach, ale tylko o "podły" kogo potępia „z płaczem”. Celem jego satyry jest moralizatorstwo i dydaktyka - przyczynienie się do naprawy obyczajów, a na zakończenie poeta zwraca się do "bezwzględny" mnichów z wezwaniem do zatrzymania się „zrobić to zło”.

Ta moralistyczna dydaktyka, chęć naprawienia wad społeczeństwa, a tym samym wzmocnienia jego fundamentów, odróżnia szlachetną i edukacyjną satyrę S. Połockiego od demokratycznej opowieści satyrycznej, w której potępienie jest społecznie ostre, bardziej szczegółowe.

Z utworów poetyckich S. Połockiego na uwagę zasługuje rymowane opracowanie Psałterza z 1678 r., wydane w 1680 r. Z muzyką śpiewaka kantora Wasilija Titowa (położył podwaliny pod kameralną muzykę wokalną) rymowany Psałterz był bardzo popularny. Dzięki tej książce M. V. Łomonosow zapoznał się z rosyjską poezją sylabiczną.

Tak więc twórczość S. Połockiego rozwijała się zgodnie z panegiryczną i dydaktyczną poezją baroku z jej uogólnieniem i wieloznacznością symbolizmu, alegorii, kontrastu i hiperbolizmu, dydaktycznego moralizowania. Język poezji S. Połockiego jest czysto książkowy, podkreślający różnicę między poezją a prozą.

S. Polotsky stosuje pytania retoryczne, wykrzykniki, zwroty odwrotne. Ściśle związany z tradycjami archaicznego języka książkowego Semeon Połocki toruje drogę dla rozwoju przyszłej poezji klasycznej.

Sylwester Miedwiediew(1641-1691). Poeci Sylwester Miedwiediew i Karion Istomin byli uczniami i naśladowcami Symeona z Połocka. „Człowiek o wielkiej inteligencji i bystrości naukowej”, jak scharakteryzowali go współcześni, „oficer referencyjny” (redaktor) Drukarni, Sylwester Miedwiediew pojawił się jako poeta dopiero po śmierci swojego nauczyciela. Napisał „Epitafion” Symeona z Połocka i panegiryki poświęcone carowi Fiodorowi Aleksiejewiczowi („Powitanie zaślubin” oraz „Płacz i pocieszenie” po śmierci Fiodora) i księżniczce Zofii („Podpis pod portretem księżnej Zofii”), które poeta aktywnie wspierał, za co został stracony z rozkazu Piotra.

W „Epitafion” Sylwester Miedwiediew gloryfikuje zasługi „ nauczyciel jest chwalebny» , komu zależy na dobru bliźniego. Miedwiediew wymienia dzieła Symeona Połockiego.

W obronie kościoła, księga, którą stworzył Rod, to:

Na jej korzyść wystawiona jest Korona i Obiad.

Wieczerza, Psałterz, wiersze z rymem,

Vertograd wielobarwny z rozmową.

Wszystkie te księgi są mądre, stworzył człowieka,

W nauczaniu rasy rosyjskiej jest to oczywiste.

Jako poeta Miedwiediew nie jest zbyt oryginalny. Wiele zapożyczył z panegiryków swojego nauczyciela, ale w przeciwieństwie do Symeona z Połocka unikał w swoich wierszach obrazów alegorycznych i mitologicznych.

Karion Istomin (? - 1717). Bardziej utalentowanym i płodnym uczniem Symeona z Połocka był Karion Istomin. Swoją twórczość poetycką rozpoczął w 1681 r. powitalnymi panegirykami skierowanymi do księżniczki Zofii. Uwielbienie w „ Będę czcił dobroduszną dziewicę, poeta mówi o znaczeniu Mądrości (Sophia po grecku oznacza „mądrość”) w rządzeniu i życiu ludzi.

Podobnie jak S. Połocki, K. Istomin używa poezji jako środka walki o oświecenie. W 1682 r. zwrócił się do księżnej Zofii ze zbiorem wierszy (16 wierszy), w którym prosił o osiedlenie jej w Moskwie instytucja edukacyjna do nauczania nauk wyzwolonych: pedagogicznych, historycznych i dydaktycznych.

Z wieloma instrukcjami dla 11-letniego Piotra poeta przemawia w książce „Inteligencja” (1683). To prawda, że ​​\u200b\u200bte instrukcje pochodzą od imienia Boga:

Ucz się teraz, ucz się pilnie,

W twojej młodości król jest mądry, oświecony,

Śpiewajcie przede mną, waszym Bogiem, odważnie

Yavl sąd i prawda, sprawa cywilna.

Księga „Polis” została napisana wierszem, podając opis dwunastu nauk. K. Istomin często tworzy akrostychy (wiersze, w których całe słowa lub frazy powstają z pierwszych liter wierszy), a także używa wierszy do celów pedagogicznych: w 1694 r. skompilował „Mały elementarz”, aby uczyć carewicza Aleksieja Pietrowicza, aw 1696 r. „Wielki elementarz”, w którym do każdej litery dołączony jest mały wierszyk dydaktyczny.

Dzięki działalności S. Połockiego i jego najbliższych uczniów wiersz sylabiczny zaczyna być szeroko stosowany w literaturze. Powstaje nowy gatunek poetycki – liryki, których pojawienie się jest wyraźnym dowodem początku różnicowania się osobowości. Zasady wersyfikacji sylabicznej, wypracowane w drugiej połowie XVII wieku, zostały rozwinięte w twórczości poetów sylabicznych pierwszej tercji XVIII wieku: Piotra Busłajewa, Feofana Prokopowicza.

Jednak werset sylabiczny nie wyparł całkowicie wersetu przedsylabicznego, który nawet go przeżył i zakorzenił się w późniejszym wersecie rajskim, podczas gdy werset sylabiczny został zastąpiony sylabiczno-tonicznym systemem wersyfikacji rosyjskiej opracowanym przez VK Trediakovsky i MV Łomonosow .

VA Kovalev i inni „Esej o historii rosyjskiej literatury radzieckiej”
Część druga
Wydawnictwo Akademii Nauk ZSRR, Moskwa, 1955
witryna OCR

Kontynuacja pracy...

Najlepsze utwory poezji radzieckiej okresu powojennego cechuje poczucie nowoczesności, patos pracy twórczej, twórczości i walki o pokój, patos dążenia kraju do komunizmu.
Poczucie sowieckiego patriotyzmu, które przepełniało serca narodu radzieckiego, który pokonał faszyzm, połączyło się z poczuciem dumy z wielkiej roli Kraju Sowietów w losach całej ludzkości. Pewny siebie głos ludu rozbrzmiewa w prostych słowach poety Isakowskiego, zainspirowanych tym dumnym uczuciem:

Jest kraj bolszewików,
Świetny kraj.
Ze wszystkich pięciu kontynentów
Jej gwiazda jest widoczna.
..........
Ludzie wiedzą:
Jest prawda!
I widzą, gdzie ona jest.
Drogi do szczęścia - tylko z nią
Otwórz do końca
I do niej
Do mojego ojczystego kraju -
Serca aspirują.

Idea sowieckiego patriotyzmu i przyjaźni między narodami brzmi w tekstach Isakowskiego z głębi serca. To właśnie w tych latach stworzył tak znane piosenki, jak „Pieśń o ojczyźnie” i „Lecą migrujące ptaki» (1948).
Ujawnił się przede wszystkim charakter bohatera powojennej poezji i jego stosunek do pracy. W pierwszych powojennych latach jest to zwycięski wojownik, który powrócił do swojej ojczyzny do pokojowego stworzenia. Kontynuacja tradycji militarnych w nowych, pokojowych warunkach jest charakterystycznym motywem wielu wiersze liryczne.
Namiętny apel, wyrażający nadzieje ludu, wiarę w rychłe zwycięstwa na froncie robotniczym, wygłosił już w Pierwszym Toaście (1945) M. Isakovsky:

Podnieśmy miasto do nieba
Z popiołów, z ruin
By nie zostawić śladu
Od smutku i smutku...

Ból zmarłych, poczucie bezpowrotnej straty, przetopione przez miliony ludzi sowieckich w energię intensywnej pracy twórczej, nie miały oczywiście nic wspólnego z nastrojem zmęczenia i pesymizmu, który przenikał twórczość poszczególnych poetów w pierwsze lata powojenne.
Odpowiedzią na takie nastroje był wiersz A. Twardowskiego „Zostałem zabity pod Rżewem”, w którym bohater, który zginął za Ojczyznę, domaga się, aby ocaleni chronili Ojczyznę jako swoje szczęście.
Poezja radziecka odrzucała także nastrój samozadowolenia, co znalazło odzwierciedlenie w twórczości poetów, którzy przedstawiali kraj sowiecki jako królestwo nowo odnalezionego pokoju wśród spokojnie kwitnącej przyrody (Ogród A. Prokofiewa). Fałszywe idylliczne nuty, żądza archaizacji dotknęły także niektórych młodych poetów, w których wierszach zanikły charakterystyczne cechy pierwszych lat powojennych wraz z ich intensywną budową, szybkim tempem odbudowy gospodarki narodowej. Ale te wydarzenia były wyjątkami. Ogólnie rzecz biorąc, nasza poezja zgodnie z prawdą wyrażała myśli i uczucia narodu radzieckiego, gotowego do przezwyciężenia trudności, do bezinteresownej pracy nad odbudową gospodarki narodowej zniszczonej przez nazistów.

Nie potrzebujemy odpoczynku
A nie cisza.
Nie pieść nas imieniem:
„Uczestnik wojny”
Trudno nam odnawiać rozkazy i cześć!
Pragnienie ciężkiej pracy przecina nam dłonie, -

młody poeta M. Łukonin żarliwie zwracał się do „Przyjdź z wojny”.
Pierwszym dużym dziełem poetyckim lat powojennych był wiersz A. Twardowskiego „Dom przy drodze”.
Losy sowieckiej rodziny w trudnych dniach Wojna Ojczyźniana, los domu przy drodze wojskowej, którego mieszkańcy musieli znosić wiele cierpień, znalazł odzwierciedlenie w szeregu wierszy A. Twardowskiego, pisanych na froncie („Dom Żołnierza”, „Ballada o Towarzysz”) oraz w wierszu „Wasilij Terkin” („Przed walką”). Motywy tych utworów organicznie wkomponowały się w jego nowy liryczny poemat, tworząc żywy poetycki obraz, który przedstawia niezwykłe cechy zwykłych ludzi radzieckich i ujawnia sens walki ludu z faszyzmem.
Zgodnie z pierwotnym planem głównym obrazem „Domu przy drodze” miał być wizerunek zwykłej kolektywnej rolniczki Anny Siwcowej, bohaterskiej patriotycznej robotnicy, która porzuciła rodzimy dom ucieczka przed wrogiem. Świadczą o tym pierwsze rozdziały wiersza, które zostały opublikowane w 1942 r. Na łamach pierwszej gazety Krasnoarmejskaja Prawda. W ostatnim wydaniu (1946) wiersz przeszedł istotne zmiany. Anna Sivtsova nie miała czasu na opuszczenie domu, została schwytana przez nazistów i wraz z dziećmi została wysłana do nazistowskich Niemiec. Ta zmiana fabuły wiersza pomogła A. Twardowskiemu z jeszcze większą jasnością ujawnić odporność radzieckiej kobiety.
Losy rodziny sowieckiej w czasie wojny z faszystowskim najeźdźcą i zwycięstwo systemu socjalistycznego nad faszyzmem jako zwycięstwo życia nad śmiercią, stworzenia nad zniszczeniem – to dwa przenikające się plany poematu. Zarówno obraz Anny Sivtsovej, bohaterskiej robotnicy i matki, jak i wizerunek jej męża Andrieja, poety potwierdzają niezachwianą niezłomność osoby sowieckiej wychowanej w warunkach systemu socjalistycznego. Rozdział wiersza poświęcony narodzinom syna Anny i jego pierwszym dniom w niewoli jest przepełniony głębokim znaczeniem i wielką siłą liryczną. Mimo nieludzkich warunków faszystowskiej katorgi dziecko przeżyło. Jego życie zostało uratowane dzięki bezinteresownej opiece matki i pomocy ludzi sowieckich, którzy wraz z Siwcową gnili w niewoli. Jasna zasada życiowa, uosobiona w obrazach matki i dziecka, wygrywa. Temat nowego życia, które zwycięża śmierć, wybrzmiewa ze szczególną siłą w monologu, który autorka prowadzi w imieniu dziecka.
Gniewny protest przeciwko faszyzmowi i wojnie, twierdzenie o niewyczerpanej sile ludu i radość z pracy twórczej stanowią patos wiersza, który zwraca się ku przyszłości, ku konstrukcji, ku życiu. Motyw przewodni przewija się przez cały wiersz ludowy przyśpiewka na warkoczu:

Kosić, kosić, póki rosa,
Rosa w dół - i jesteśmy w domu.

Słowa tej pieśni, wyrażające radość i pracowitość narodu rosyjskiego, rozbrzmiewają już na początku wiersza, przedstawiającego dzień pracy Andrieja Siwcowa, przerwany fatalną wiadomością o wojnie. Słyszy je także Anna Siwcowa, która podtrzymuje ją na duchu w najtrudniejszych dniach faszystowskiej niewoli. W końcu wylewają się w uroczystą melodię, która kończy wiersz, wyrażając radość z powrotu Andrieja Siwcowa do spokojnej pracy:

I wytrzyj kosę trawą
Na krótkim przystanku
Słuchał własnego głosu,
Kiedy zadzwonił z łopatą.
I ten głos wydaje się być w oddali
Zawołał z tęsknotą i pasją.
I niósł ze sobą swój smutek,
i ból, i wiara w szczęście:
Kosić, kosić, póki rosa,
Deszcz - i jesteśmy w domu ...

Wiersz „Dom przy drodze” autorka nazywa „kroniką liryczną”. Opiera się na lirycznym początku, refleksjach poety o wojnie i pokoju, życiu i śmierci, stworzeniu i zniszczeniu – refleksjach zrodzonych z trudnych i chwalebnych lat Wielkiej Wojny Ojczyźnianej.
Liryczny bohater wiersza jest zawsze na pierwszym planie; jego głos rozbrzmiewa nie tylko w lirycznych dygresjach, ale także łączy się z głosami bohaterów wiersza. Filozoficzny i liryczny początek determinuje zarówno intonację narracji, jak i kompozycję wiersza oraz jego język, który nie oddaje specyfiki języka bohatera wiersza (jak to miało miejsce w wierszach „Kraj Mrówka” i „Wasilij Terkin”), ale reprezentuje podekscytowaną mowę samego poety, - mowę, namalowaną zarówno żałosnymi, jak i gniewnie oskarżycielskimi i szczerze lirycznymi tonami.
Głębia lirycznego talentu A. Twardowskiego Wielka siła ujawnił się w dalszej jego powojennej twórczości – w szeregu wierszy, a zwłaszcza we fragmentach nowego wiersza „Na odległość – dystans”, który poeta nazwał „rozdziałami z dziennika podróży” (1950-1954).
Całą jego powojenną twórczość łączy lirycznie ujawniony obraz Ojczyzny, niestrudzenie budującej „własny żywy i stworzony przez człowieka świat”.
„Dziennik z podróży” rysuje nieskończone przestrzenie Kraj sowiecki, gdzie w dalekiej podróży przed poetą poza dystans, za każdym razem otwiera się nowy, „własny, inny dystans”. Rozdziały nowego wiersza pełne są poetyckich przemyśleń o narodzie – „ascecie i bohaterze”, o dziejowej drodze ojczyzny, jednoczącej „pół świata w naszym obozie”, o prawach i odpowiedzialności poety. W przypadkowej opowieści o swoich przeżyciach poeta zwięźle, dwoma, trzema pociągnięciami, odtwarza rysy swojego dzieciństwa w odległej smoleńskiej wsi, wspomina wiejską kuźnię „w cieniu dymiących brzóz”, która była zarówno dla dorosłych, a dla niego chłopczyk ze wsi,

na tej małej cząsteczce światła
ówczesny klub i gazeta,
I Akademia Nauk.

Z życzliwym uśmiechem rysuje życie powozów, sąsiadów w przedziale, aw jego pobieżnych szkicach poetyckich pojawiają się żywe typowe obrazy. Pełen wielkiego znaczenia i wyrazistości w dzienniku poety pejzaż liryczny – „Matka Wołga” i „Ojciec Ural”, przestworza syberyjskie, tajga, gdzie

Suche burze śnieżne z ospałym dymem
Kościsty las był zachmurzony.

Odległości otwarcia, każdy

Stos oskubanego siana,
Cóż, budka torowa -

Wypełniają duszę poety po brzegi „ciepłem zachwytu i smutku”, a przenikliwe strofy pamiętnika, brzmiące jak żywa mowa poety, nieraz przywołują na myśl liryczną głębię pejzażu Puszkina, Lermontowa, Niekrasowa , Blok.
W pierwszych latach powojennych temat powrotu do spokojnej twórczości stał się głównym wątkiem poetyckim nowej generacji poetów, którzy dorastali w trudnych latach wojny. Wyraźnie objawia się to w wierszu zmarłego przedwcześnie młodego poety A. Niedogonowa „Flaga nad radą wiejską” (1947). Agronom Egor Szirokow, bohater wiersza, człowiek radziecki, który bronił ojczyzny w zaciekłych walkach z wrogiem, z jeszcze większym entuzjazmem podejmuje pokojową pracę. Marzenie o kwitnącej ojczyźnie, która schwytała Szirokowa, urzeka w wierszu zarówno młodych, jak i starszych. Sceny rodzajowe i szkice krajobrazowe są nasycone duchową radością, miłością do radzieckiej Ojczyzny, afirmującym życie optymizmem. Poeta pokazuje, jak w atmosferze przyjaznej kołchozowej pracy panuje duchowa bliskość ludzi. Przedstawiając napiętą walkę o obfite plony, A. Nedogonov nie pomija tych niezdrowych nastrojów, którymi zarazili się niektórzy „przybyli z wojny”. Nosicielem tych uczuć w wierszu jest Andriej Dubok. Obdarzając swoje rozkazy i zasługi współmieszkańcom, twierdzi, że po wojnie odpoczywa.
Przedstawiając starcie Jegora Szirokowa z Dubko, Niedogonow obala wsteczne poglądy, potwierdza wysoką świadomość i czystość moralną jako cechy charakteru sowiecki człowiek.

- Mówisz - na wojnie zmęczony?
Czy to prawda, Andrzeju?
Jesteś sto razy silniejszy
I sto razy radośniejszy -

wykrzykuje Szirokow w sporze z Andriejem, aw tych słowach jest wiara w potężną siłę narodu radzieckiego, wzbogaconego doświadczeniem wojny.
Pokazując, jak Dubok jest stopniowo wciągany w pracę artelową i wraca do służby, poeta ujawnia ogromną wartość edukacyjną pracy kolektywnej. Pokonując trudności i osiągając sukcesy w walce o plony, Jegor Szirokow i jego towarzysze wzrastają duchowo i pojawiają się w ostatnim, nasyconym rewolucyjnym romansem rozdziale, jako prawdziwi budowniczowie komunistycznego społeczeństwa.

Plantatorzy zbóż stanęli:
wydawało się Dubrowitom -
to jest czerwony sztandar
ze złotym brzegiem
wzrosła
i dotknięty latającym jedwabiem
te wyżyny, na których jesteśmy w życiu
Nazywamy to komunizmem.

Wiersz A. Nedogonowa zgodnie z prawdą ujawnił głębokie zmiany, jakie zaszły w latach powojennych we wsi kołchozowej. Jedną z cech poezji A. Niedogonowa, który rozpoczął pracę nad wierszem jeszcze na froncie, jest jej barwny, świąteczny charakter, umiejętność autora do oddania romansu robotniczego zrywu prostymi środkami poetyckimi, ujawnienia duchowy świat kolektywnego rolnika. Opisy przyrody, rodzimych pól, lasów są malownicze; są one u Niedogonowa organicznie związane ze zjawiskami nowego, socjalistycznego stylu życia. Wzniosłą powagę poszczególnych rozdziałów zastępuje prosta potoczna intonacja, przyjacielska mowa, ocieplona ciepłym humorem. Ta różnorodność środków mowy nadaje poetyckiej narracji Niedogonowa lekkość i naturalność. Poeta szeroko i osobliwie posługuje się rozmaitymi strofami, zmieniającymi się rytmami, obrazami i technikami sztuki ludowej – motywami baśni, pieśni, przyśpiewki. Nie ma w wierszu żadnej stylizacji, żadnego naśladowania starożytności. Niedogonow na swój sposób kontynuuje tradycje Niekrasowa, rozwinięte i wzbogacone w poezji radzieckiej w twórczości M. Isakowskiego, A. Twardowskiego i innych.
Nowe wioski, które powstają na miejscu zniszczonych budynków, otoczone są rusztowanie, zapach świeżo heblowanej deski, brzęczenie odrestaurowanych fabryk, tory biegowe nowo ułożonych szyn - to charakterystyczne obrazy, detale, obrazy występujące w tych latach w wierszach poetów i starszego pokolenia oraz wśród „ młodych” - M. Łukonin, A. Mezhirov, S. Gudzenko, S. Narovchatova, S. Smirnova i inni. Patos pokojowej pracy twórczej nasycony jest poetyckim cyklem Chwalebna praca (1947) S. Shchipacheva, w którym poeta , w swojej charakterystycznej lirycznej medytacji, w pojemnym i trafnym artystycznym obrazie, stara się ogarnąć filozoficznie i poetycko wyrazić typowe zjawiska powojennej rzeczywistości.
Miłość do ojczyzny w poezji lat powojennych jest aktywnym uczuciem, które wymaga czynów, twórczego wypalenia, skutecznego udziału w zbiorowej pracy ludu.

Dziś nie wystarczy kochać Ojczyznę, -
Ona musi cię kochać
A nie jest łatwo stać się i być takim!

S. Smirnov wyraził to świadome uczucie.
Cykl jego wierszy „W naszej gminie”, w którym wyczuwa się bystre oko artysty, wymagającą pracę słowem, humor, kreśli wizerunki zwykłych sowieckich ludzi dążących do „bycia kochanym przez Ojczyznę”. Tatiana Lwowna, kierowniczka szkółki leśnej, skromna „kobieta z nieśmiałym uśmiechem”, nazywając swoje drzewa „uczniami” („kobieta ekonomiczna”); stróż Klim Łukich, który uprawiał melony na leśnych plantacjach dla zagłuszenia chwastów i był przekonany, że jego praca „jak się na to spojrzy, to widać z Kremla” („Klim Łukich”); dziewczyna-hydrolog, która tworzy „odnogę Morza Rybińskiego” („Syrenkę”) – wszyscy to niespokojni i chciwi pracy, prości i skromni ludzie o bogatym świecie duchowym. Wszystkich uchwycił romans stworzenia i odnowy. To prawdziwi panowie „władzy na tysiące mil”, a ich osobisty los wiąże się z losem socjalistycznej ojczyzny.
Samo życie wydobyło na pierwszy plan obraz komunisty w fikcji literackiej i nieprzypadkowo w lirycznym bohaterze poezji lat powojennych rozpoznajemy przede wszystkim jego rysy.

wszędzie wokoło
Gdzie przecinają się szlaki ołowiu,
Gdzie jest dużo bezinteresownej pracy,
Na przestrzeni wieków
przez wieki,
na zawsze,
do końca:
Komuniści idźcie!
Komuniści, naprzód!

napisał młody poeta A. Mieżyrow.
Przywódcy komunistyczni kierujący energią roboczą mas są również przedstawiani w wielu innych powojennych wierszach: organizator partii Zernow w wierszu N. Gribaczowa „Wiosna w zwycięstwie”, Alena Fomina w wierszu A. Jaszyna pod tym samym tytułem Badin w „Dzieniu roboczym” M. Łukonina itp.
W procesie twórczej pracy powojennej ujawniają się najlepsze cechy człowieka. Cechy te rozpoznajemy u bohaterów cyklu A. Jaszyna „Człowiek sowiecki” (o budowniczych majestatycznych budowli Wołgi), u M. Aligera – w cyklu „Góry Lenina” i innych.
Porwana pracą zbieraczka liści herbaty budzi poczucie piękna u poetki, która śledzi szybkie ruchy jej zręcznych rąk; to poczucie estetyczne zostało odzwierciedlone przez N. Tichonowa w wierszu przedstawiającym gruzińską powojenną wiosnę. Poeta podkreśla, że ​​„był to zwyczajny przykład pracy” i widzi w pracy kołchozowej pracę dziewczęcą podniesioną do rangi sztuki. Ostre porównanie zbieracza liści herbaty z pianistą jest pełne głębokiej treści:

Jakby te ręce grały
Z zielonymi liśćmi, szybując
Na gałęziach bardziej delikatny niż cokolwiek na świecie.
Zauważyłem tylko smagłość tych rąk,
Ale ich prędkości nie da się opisać.
Być może, więc oto palce pianisty,
Latanie na pamięć na klawiszach,
Jak jaskółki cięte nisko, nisko
Melodie nauczyły się smutku.

Bohaterstwo codziennych wyczynów pracy, człowieczeństwo, wysokość świadomości narodu radzieckiego, dla którego droga na wyżyny komunizmu jest otwarta w życiu, poświęcona jest lirycznemu wierszowi, a raczej lirycznemu monologowi S. Kirsanowa „Top " (1954).
Spawacze w przestworzach na budowie wieżowca, operatorzy kombajnów zbierających zboże na niedawnych dziewiczych ziemiach, obciążniki łączące tunele metra w pierścień, chirurg przywracający człowieka do życia, matka bezinteresownie wychowująca nowego obywatela socjalistycznego Ojczyzna, zegarmistrz wprawiający w ruch delikatny skomplikowany mechanizm zegara - każdy ma swój własny, ukochany, wzniosły cel, swój własny twórczy szczyt. Droga do niego jest trudna, wymaga odwagi i woli, wysiłku wszystkich sił, a na tej trudnej, ale wspaniałej drodze każdy czuje łokieć towarzysza.
Wraz z geologami wspinającymi się po niezdobytych grzbietach Pamiru w poszukiwaniu cennej dla Ojczyzny rasy, wspina się także poeta. Poszukuje swojej nietkniętej ścieżki na Majakowski Wierch, który ucieleśnia szczyt prawdziwej sztuki.
Jedynym bohaterem wiersza jest bohater liryczny, skupiony na swoich myślach i przeżyciach. I można wyrazić ubolewanie, że autorowi zabrakło kolorów, by stworzyć żywe wizerunki geologów, którzy są dla niego wzorem odwagi i służby Ojczyźnie. Realistyczne detale w jego narracji łączą się z marzeniami lirycznego bohatera i obrazami, którym poeta nadaje znaczenie symboliczne. Na tych obrazach ujawnia się surowy krajobraz, zwieńczony najwyższymi szczytami górskimi. Nadano im dumne imiona Rewolucji i Komuny, imiona „najlepszych z najlepszych”, prostych i odważnych ludzi, którzy oddali życie za szczęście ludzkości.
Powojenna poezja K. Simonowa ujawnia również cechy zaawansowanego sowieckiego człowieka („Przyjaciele i wrogowie”, 1948; „Wiersze 1954”). W przebraniu lirycznego bohatera, dla którego praca, walka ludu o komunizm jest sprawą osobistą, żywotną, odzwierciedlono wiele istotnych aspektów powojennej rzeczywistości. Poezja K. Simonowa, odwołująca się do swobodnego wiersza intonacyjnego, wyróżnia się rozmachem i doniosłością tematu.
Poetę interesują problemy komunistycznej moralności – nowe relacje międzyludzkie, koleżeństwo, przyjaźń i prawdziwa miłość narodu radzieckiego, walka z dwulicowością, obłudą, chęcią unikania odpowiedzi na ostre życiowe pytania („Pod parasolem”, „Inna dusza”, „Był kiedyś człowiek ostrożny” itp.).
W najlepszych „Wierszach 1954 roku” K. Simonowa powstają żywe obrazy ludzi, słychać podekscytowany głos poety („Wizyta u Shawa”, „Mój przyjaciel zmarł - w tym problem” itp.).
Żywe poczucie nowoczesności, stronniczość w ocenie ludzi i zjawisk życiowych, uporczywe poszukiwanie różnorodności środki artystyczne, choć nie zawsze udane, świadczą o chęci poety do kontynuowania i rozwijania tradycji W. Majakowskiego.
A jeśli doświadczenia poety i obrazy, które stworzył, ekscytują naród radziecki, wyrażają jego myśli i uczucia, jeśli rozpoznają się w jego lirycznym bohaterze, to dlatego, że K. Simonov w swoich najlepszych dziełach potrafił zgodnie z prawdą i pasją opowiedzieć o swoim stosunku do charakterystyczne i istotne zjawiska współczesnego życia.
Bogactwa świata duchowego człowieka nie da się pokazać bez ujawnienia jego stosunku do ojczyzny, do pracy, do ukochanej, do przyjaciela, do dziecka. Każda osoba ma swoje smutki i radości, własne myśli i uczucia, a bez ich przekazania niemożliwe jest stworzenie żywego lirycznego obrazu osoby radzieckiej. Przekazać indywidualną oryginalność osobowości poetyckiej, a jednocześnie wyrazić typowe uczucia osoby radzieckiej - takie jest zadanie poezji lirycznej.
W powojennych lirykach zauważalny jest wzrost zainteresowania właśnie tymi zadaniami.
Prosta i szczera piosenka M. Isakowskiego to poetycka opowieść o rozkwitającej młodości, o rodzącym się uczuciu, o szczerych smutkach i radościach, połączonych z głębokim sowieckim patriotyzmem; obrazy stworzone przez poetę są pełne miłości do ludzi, do życia.
W tekstach S. Shchipacheva temat miłości łączy się z problemami socjalistycznej nowoczesności, które dotyczą poety, poeta stawia wysokie wymagania w relacjach osobistych: miłość nie powinna być „mniejsza niż nasze uczynki”.
Wielkie wymagające uczucie, które jak to w życiu bywa, rodzi nie tylko radość, ale i cierpienie. niespełniona miłość, brzmi w namiętnych i prawdziwych tekstach O. Bergholza („List z drogi” itp.). W poezji lat powojennych - A. Tvardovsky („Synowi zmarłego wojownika”), K. Simonov (wiersz „Ivan da Marya” itp.), M. Aliger, E. Dolmatovsky, w w wierszach wielu młodych poetów pojawiają się motywy macierzyństwa, troskliwej miłości do dziecka, przyjaznej rodziny. Problemy wychowania uczuć i kształtowania charakteru narodu radzieckiego zostały rozwiązane nie tylko w tekstach, ale także w szerokim poetyckim ujęciu życia. Epicki początek coraz wyraźniej zaznacza się w twórczości zarówno poetów starszego pokolenia, jak i poetyckiej młodzieży.
W niektórych powojennych wierszach kształtowanie się charakteru osoby radzieckiej ujawnia się w obrazach heroicznej przeszłości. Tak więc wiersz O. Bergholza „Pierworosyjsk” (1951), jaskrawo zabarwiony rewolucyjnym romansem, w optymistycznych lirycznych dygresjach i heroicznych epizodach wojna domowa, odsłania obrazy dawnych bolszewików - petersburskich robotników pierwszych lat rewolucji: zainspirowani przez W. I. Lenina i przy jego wsparciu odważnie niosą idee komuny rolniczej na odległe terytorium Ałtaju.
Wizerunek jednego z założycieli ogólnopolskiej konkurencji socjalistycznej, Makara Mazaja, kreuje wiersz S. Kirsanowa pod tym samym tytułem (1951). Poeta, posługując się techniką pisarstwa romantycznego, ukazuje kształtowanie się postaci sowieckiego człowieka, który z niepozornego wiejskiego pasterza przeszedł do śmiałego innowatora-hutnika i bezinteresownego bojownika o komunizm, który zginął tragicznie w faszystowskim lochu.
Na materiale Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wielkie problemy etyczne rozwiązywane są w poemacie dramatycznym O. Bergholza „Wierność” (1954), którego gatunek poetka określa jako współczesną tragedię. Napisany w formie dialogicznej, choć bez wyraźnej indywidualnej mowy charakterystycznej dla każdego bohatera, wiersz wiernie oddaje czyny i dni obrony Sewastopola.
W „Adresach do tragedii” autorskie uwagi, sceny rodzajowe pełne dramatyzmu, w ostro skonfliktowanej fabule ujawniają się obrazy „niezwyciężonych” – Andriej Morozow, były przewodniczący Rady Miejskiej, organizator „miejskich partyzantów” , tragicznie zmarłego bojownika Siergieja i ich bliskich, bohatersko „stojących na śmierć”.
Odważny obraz narodu niezwyciężonego, odwracającego się z pogardą od tchórzy i zdrajców, łączy się z mocnym obrazem bohatera lirycznego, poety wielkiego serca, wielkich myśli i uczuć:

Mówię w imieniu wszystkich, którzy tu zginęli.
W moich liniach ich głuche kroki,
ich wieczny i gorący oddech.
Mówię w imieniu wszystkich, którzy tu mieszkają
który przeszedł przez ogień, śmierć i lód,
Mówię jak wasze ciało, ludzie,
z prawa wspólnego cierpienia...

W wielu wierszach podjęto próby pokazania narodu radzieckiego w jego twórczej działalności twórczej.
N. Gribaczow jako jeden z pierwszych odmalował powojenną rzeczywistość kołchozową w wierszu Bolszewicki kołchoz (1947), zbudowanym jako cykl poszczególnych scen rodzajowych, bez rozwijającej się fabuły. Każdy odcinek wiersza przedstawiał coś nowego, co poeta widział w powojennym kołchozie, obrazy pracy twórczej, obrazy kołchozów i kołchozów. Autor nie wykazał jednak trudności walki kołchozów o rozwój rolnictwa i przeżytków kapitalizmu w umysłach zacofanej części kołchozów.
W wierszu „Zwycięska wiosna” (1948) N. Gribaczow starał się ujawnić charakter zaawansowanego człowieka radzieckiego, ukształtowanego w walce, jego niewzruszoną wolę, wysoką świadomość socjalistyczną, bezinteresowną walkę o komunizm.
Żywotna, robocza atmosfera jest już poetycko wyrażona w pejzażu kołchozowej wiosny, pełnej szybkiego ruchu i jaskrawych kolorów. Poeta przedstawia kolumnę kołchozów wjeżdżających na pole jako początek szerokiej wiosennej ofensywy.
Oddzielne sceny rodzajowe i wyraziste postaci kołchozów w wierszu są bezpośrednio związane z jego centralnym wizerunkiem - organizatorem partii Zernovem. W opowieściach o nim kolektywni rolnicy Nilovna, gadatliwy dziadek-kierowca i inni aktorzy linijka po linijce, w wierszu rozwija się heroiczna biografia tej „najbardziej potrzebnej partii”.
Partyjny organizator Zernow patrzy na życie „z partyjnej wysokości”, umie „podchodzić do rzeczy po imprezie”, a komunizm nie jest dla niego odległym pięknym marzeniem, ale realną i już realizowaną rzeczywistością. Zernov jest poważnie chory, ale nie opuszcza swojego stanowiska. Śmierć zastaje go na progu klubu kołchozowego, gdzie nie słuchając namowań przyjaciół, zebrawszy ostatnie siły, udaje się z meldunkiem. Mimo tragicznej śmierci bohatera wiersz N. Gribaczowa utrzymany jest w tonacji optymistycznej i potwierdza nieśmiertelność ludzkiej pracy oddanej Ojczyźnie. Zernov zmarł, ale dzieło jego życia zostało ucieleśnione w szosie „Zernovsky”, stworzonej dzięki jego inicjatywie i wytrwałości, oraz w nowych chatach, które zastąpiły ziemianki - w całym dostatnim życiu kołchozu, w rosnącej świadomości kolektywu rolnicy.
W tym wierszu N. Gribaczow przedstawia nie tylko jasne, ale także ciemne strony kołchozowego życia i tworzy obraz kolektywu, który chwilowo odłączył się od kolektywu, zszedł do spekulacji i oszustwa.
Artystyczne obrazy, które charakteryzują niektóre z istotnych cech powojennego kołchozu, język figuratywny, który zawiera cechę mowa potoczna bohaterowie, jasny koloryt emocjonalny narracji, a zwłaszcza liryczne dygresje, różnorodność środków wyrazu wiersza (metryki klasyczne, wiersz intonacyjny, asonanse, rym złożony i inne) to mocne strony tego wiersza, w którym N. Gribaczow starał się twórczo podążaj za tradycją W. Majakowskiego.
Tradycja twórcza wielkiego poety, załamana na swój sposób, znajduje również odzwierciedlenie w lirycznym poemacie M. Łukonina „Dzień roboczy” (1948). Rzeczywistość powojenna odsłania się w obrazie intensywnej pracy twórczej podniesionej z ruin Stalingradzkiej Fabryki Traktorów, w obrazach sowieckich patriotów starszego, a zwłaszcza młodszego pokolenia klasy robotniczej. Wszystko w wierszu – zarówno zmieniające się w ciągu dnia roboczego obrazy fabrycznego życia, w którym poeta dobrze operuje różnymi rytmami, jak i naszkicowane kreską portrety robotników w warsztacie i liryczny pejzaż nadchodzącej wiosny – podporządkowana jest głównemu zadaniu: wizerunkowi młodego pokolenia klasy robotniczej.
Poeta wciela cechy tego pokolenia w obraz Walii, adoptowanej córki Bardinów, w postać robotnika Wołodia, który właśnie przyszedł do fabryki z ławki szkoły zawodowej, w obraz heroicznie zmarłego Dima, który żyje niewidocznie w wierszu, o którym dowiadujemy się z bajki opowiadanej przez jego matkę.
W poetyckiej opowieści M. Łukonin lirycznie ujawnia nie tylko wątek przyjaźni z Komsomołu, gdy towarzysz realizuje twórcze marzenie zmarłego przyjaciela, ale także temat czystej młodzieńczej miłości.
Wiersz P. Antokolskiego „W zaułku za Arbatem” jest również poświęcony obrazowi współczesnego człowieka radzieckiego.
„Zaprzyjaźniając przeszłość z przyszłością”, w pogodnej, patetycznej narracji napisanej klasycznym jambiem, bogatej w żywe intonacje, w liryczne dygresje nasycone wielkim uczuciem, poeta wprowadza czytelnika w droga życia jego bohater Iwan Jegorow. Ta droga zaczyna się od śmiałej podróży wiejskiego chłopca do Moskwy w pierwszych miesiącach Rewolucji Październikowej, a kończy na pracy architekta na powojennej budowie w stolicy. Dorastanie w sierocińcu, gdzie po raz pierwszy objawiają się zdolności nastolatka, praca młodego inżyniera w Donbasie w latach 30. faszystowscy najeźdźcy, kiedy pokojowy budowniczy staje się patriotycznym wojownikiem, - rozdział po rozdziale, w dokładnych realistycznych szczegółach obrazów życia, poeta odsłania kształtowanie się charakteru bohatera. Jednocześnie rysuje rozwijające się postacie swoich bliskich: żony, przeszedł drogę od małego teatrzyku młodzieżowego pierwszych lat rewolucji do wielkiej sceny teatru moskiewskiego i nauczyciela z sierocińca Andrieja Grigoriewicza, który został archeologiem.
Już w pierwszych strofach wiersza pojawia się obraz jego lirycznego bohatera, spychając innych bohaterów wiersza na dalszy plan.
Głos poety brzmi mocno i odważnie w jego lirycznych apelach do swoich bohaterów, do czytelnika, do siebie, do Moskwy:

Ty, Moskwa, doświadczony
Daję pół wieku.
Stojąc przed tobą bez kapelusza
Tworzę swoją kronikę.
Znam szczęście i nieszczęście
Dni wakacji i lata burz.
Byłem ich niewidzialną częścią
I tak żył i dorastał.

Ale nawet najlepsze wiersze o nowoczesności nie ukazały szerokiego obrazu majestatycznego budownictwa socjalistycznego lat powojennych, nie stworzyły jeszcze pełnokrwistego obrazu współczesnego człowieka radzieckiego.
Zbudowany bardziej na zasadach kompozycji lirycznej, poemat powojenny, wydobywający na pierwszy plan obraz bohatera lirycznego, zarysował jedynie ogólny zarys głównych bohaterów wiersza. Ujawniała je najczęściej w liryce, w przeżyciach, w opisie, a nie w działaniu, pozbawiając je zresztą oryginalności wypowiedzi.
Poezja powojenna ma też inne wady. Werset intonacyjny jest czasem trudny do odróżnienia od prozy rymowanej. Wiele wierszy i poematów lirycznych jest rozciągniętych i rozwlekłych, przez co tracą wyrazistość. Wielu poetów najwyraźniej nie miało dość umiejętność artystyczna stworzyć tak złożoną formę sztuki poetyckiej, jak wiersz. Słusznie zauważono w jednym z artykułów w „Prawdzie”, że czytelnika interesują czasem tylko pojedyncze epizody z tak słabych wierszy, jak np. Komsomolska opowieść J. Helemskiego, „Budowniczy” S. Poddiełkowa i inne.
W niektórych utworach poetyckich ostatnich lat nastąpiło udoskonalenie tematu lirycznego, zastąpienie autentycznego obywatelskiego patosu rymowaną retoryką. Efektowny obraz artystyczny, charakterystyczny dla socrealizmu, w niektórych wierszach lirycznych, a czasem nawet w całych zbiorach, zostaje zastąpiony niemrawymi opisami codzienności i pejzażu.
Osławiona „teoria” braku konfliktu również odegrała szkodliwą rolę w poezji. Ta „teoria” przytępiła twórczą wizję poetów. Poezja powojenna, podobnie jak wiele dzieł innych gatunków literackich, odwołujących się do rzeczywistości kołchozu, często przechodziła obok negatywnych zjawisk wiejskiego życia.
Najlepsze utwory poezji radzieckiej lat powojennych słusznie wysuwały na pierwszy plan pozytywne zjawiska typowe, inspirujące naród radziecki do walki o komunizm. Ale wraz z tym aktywna walka ze wszystkim obcym i wrogim narodowi radzieckiemu została osłabiona w poezji. Poezja satyryczna, mająca na celu zwalczanie pozostałości w umysłach i codziennym życiu narodu radzieckiego, wyraźnie pozostawała w tyle. W ostatnich latach, kiedy partia i szersza sowiecka opinia publiczna zwróciły uwagę na to opóźnienie, nastąpiło pewne ożywienie w tym sektorze życia poetyckiego.
Wśród utworów poetyckich poświęconych obnażaniu ciemnych stron naszej rzeczywistości wyróżniają się pojedyncze portrety satyryczne K. Simonowa oraz niektóre bajki S. Michałkowa, wyśmiewające konkretnych nosicieli pozostałości kapitalizmu w społeczeństwie sowieckim – pochlebców i tchórzy („Zając w chmiel”), bezwładnych biurokratów („Szop pracz, ale nie ten”, „Bieżące naprawy”). Jasne typy w najlepszych bajkach S. Michałkowa, z powodzeniem uosabiane w obrazach świata zwierzęcego i obiektywnego, charakterystyczne, wyraziste słownictwo, lakonizm i ostrość środków artystycznych decydowały o powodzeniu satyry poetyckiej, gdy trafiała ona w główny i ważny cel. Ale satyryczne przemówienia K. Simonowa, bajki S. Michałkowa, fraszki S. Marszaka, najbardziej udane wiersze S. Wasiliewa, A. Bezymenskiego, A. Raskina, S. Szwecowa, W. Dykhovichnego i M. Słobodskiego, V. Mszy i M. Czerwińskiego, pojedynczych wierszy w czasopiśmie „Krokodyl” i innych publikacjach było niewiele. Często wiersze satyryczne poświęcone były mało znaczącym zjawiskom życia literackiego i zbliżały się do typu „przyjacielskich karykatur”.

ROZWÓJ POEZJI

FORMA w poezji ma dość solidne podstawy.
Jest to dwuwiersz z rymem lub bez. Lub te same czterowiersze, pięcioraczki. Można zbudować pięć wersów z trzema wersami dla jednego rymu i dwoma dla drugiego.
Istnieje również sześć linii. Gdzie kuplety, pierwszy i drugi, mogą mieć jeden rym lub różne, a pomiędzy nimi są dwie linijki o innym rymie. Wszystko to WOLNE FORMY - tutaj sam pisarz wybiera kolejność wersów.
A są formy, w których kolejność wersów jest ustalona raz na zawsze – są to FORMY SOLIDNE: sonet, oktawa, triolet itp.

Przyjrzyj się uważnie słownikowi poetyckiemu Kwiatkowskiego. Ileż ciekawych rzeczy dowiesz się z niej o poezji. Ile powstało w poezji przez wieki jej istnienia! Czy literatura wyczerpała swoje możliwości?

NIE! I raczej się nie skończy. W końcu istnieje coś tak poruszającego, jak TREŚĆ. Przyjrzyj się choćby pobieżnie, jak zmieniała się ona na przestrzeni czasu. Po pierwsze, są to hymny do bogów, kalendarze rolnicze i nauki. Są też poematy miłosne Katullusa, Tibullusa, Propercjusza czy Owidiusza. Jednocześnie powstają hymny i ody (Pindar i Bacchilid) na cześć zwycięzców olimpiad. W średniowieczu temat codzienny zaczął coraz bardziej przenikać do poezji. Wynika to ze zmiany światopoglądu ludzi. Zaczynają coraz bardziej wierzyć w twórcze możliwości człowieka. Jest to szczególnie widoczne w literaturze renesansu.

Jeśli FORMA w poezji pozostaje niezmienna do dziś, to TREŚĆ zmienia się i to bardzo gwałtownie. Sceny z życia społecznego już mocno zajęły swoje miejsce w poezji. Wiele rodzajów wierszy (ody, eklogi, sielanki) przeszło do historii. Tak, i tutaj trzeba zrobić rezerwację: mamy wielu poetów, którzy zwracają się do tematu wsi, choć nie w takiej formie, jak w starożytności. Wiele starych historii zostało wymyślonych na nowo. Oda też nie umarła. Na przykład Majakowski napisał „Odę do rewolucji”. Oda istnieje w twórczości Pabla Nerudy - „Oda do rzeczy prostych”.

Jednak nowe warunki życia mocno dyktują ich intrygi, czy warto zwrócić się ku temu, co już dawno miało umrzeć? Czas niczewoków (nurt w poezji), futurystów i innych formalistów minął. Ale nasz niespokojny czas niepostrzeżenie wskrzesza przeszłość. Niestety nie pozostał on tylko w historii literatury, a jedynie czaił się pod ziemią, czekając w zakamarkach. I nadeszła ta godzina.

Rosyjscy pisarze od dawna myśleli i mówili o rewolucji.
Pisarz, jeśli tylko
Fala, a ocean to Rosja,
Nie sposób się nie oburzyć
Kiedy żywioły są wściekłe!
Pisarz, jeśli tylko
Jest nerw wielkiego ludu,
Nie można się nadziwić
Kiedy wolność jest uderzona!
Jakow Połoński (w albumie K.Sh. 1871)

Oto słowa Niekrasowa w tej sprawie:

Rosjanie mieli dość
………………………………………..
Zniesie wszystko - i szerokie, jasne
Piersi utorują sobie drogę.

Ale kiedy nastąpiła rewolucja, zdawali się jej nie dostrzegać. Wydawało im się, że wolność przyjdzie jako dar z góry - bezkrwawo, pokojowo. Rzeczywistość okazała się jednak ostrzejsza, az ust wielu pisarzy dobiegł krzyk: „Przywróć przeszłość!”

Czy to samo nie działo się w literaturze w latach poprzedzających pierestrojkę? Dysydenci krytykowali rząd, domagali się fundamentalnych zmian w kraju, a gdy to wszystko się stało, okazało się, że ani literatura, ani oni sami nie są potrzebni nowej władzy.
To co, krzyknąć znowu: „Przywróć przeszłość”?
Zniesienie cenzury, zupełna obojętność na to, co i jak się pisze, możliwość wydawania książek na własny koszt, inne swobody – jestem tego pewien – to nie jest droga, której potrzebuje literatura. Być może niektórym czytelnikom, którzy nie znają historii literatury, spodoba się przez jakiś czas lektura dzieł współczesnych; dziecko bawi się nową zabawką, dopóki nie rozpozna jej urządzenia, czyli dopóki jej nie rozłoży, a potem nie wyrzuci. Tak jest w literaturze. Kiedy czytelnik zda sobie sprawę, że za tymi wszystkimi udziwnieniami nie kryje się nic poważnego, straci nimi zainteresowanie.

Weźmy na przykład tak rozpowszechnioną dziś powieść detektywistyczną. Nie jest to bynajmniej nowość w literaturze światowej. Pierwszych detektywów stworzył Edgar Allan Poe. Ale gatunek ten stał się popularny wraz z pojawieniem się Sherlocka Holmesa. W czasach sowieckich powstało również wiele dzieł z tego gatunku. Czym więc radziecka powieść detektywistyczna różni się od współczesnej? Wydaje się, że zachowana jest w nich cała specyfika gatunku, ale…
Ale to ALE - i to jest najważniejsze! Radzieccy pisarze w swoich dziełach ucieleśniali moralny ideał człowieka radzieckiego. Osoba o wysokiej kulturze moralnej i zawodowej, stojąca na straży interesów państwa. Ważne były dla nas nie przygody bohatera w ogóle, ale cel, w jakim zostały stworzone. Czytelnika przyciągał przede wszystkim urok osobowości bohatera, całkowite zaufanie do jego myśli i czynów. Współczuliśmy mu i naśladowaliśmy go. Bez wiedzy czytelnika takie powieści pełniły funkcję wychowania moralnego i patriotycznego.
Kim jest bohater współczesnych detektywów? Najczęściej jest to samotny detektyw. chroniąc interesy jednej osoby (oligarchy lub po prostu „bogatego Pinokia”). Dlatego najczęściej nie czujemy wielkiej sympatii do bohaterów kryminału, po prostu śledzimy rozwój wydarzeń i tyle. Takie powieści są pisane w celu rozrywki czytelnika. Aby je opanować, wystarczy mieć tylko łatwo pobudliwą psychikę.

Coś podobnego dzieje się w poezji.
Kiedyś w naszym stowarzyszeniu literackim współczesny poeta, piszącego trudne i niezrozumiałe, został poproszony o wyjaśnienie sensu swojego wiersza. Oto fragment:
Na rynku sprzedawany jest nóż prezentowy,
do krojenia suchej marmolady.
Nie było uroczystych sów… Na ławce
leży przechylony parasol.

Cukierkowe grzechotki w zmatowiałym pudełku,
a trzmiel nieśmiało biega.
Znowu śnię o sobie po niewolnictwu,
Wyleję emalię na ziemię.

Odalisque z Renault będzie mi pasować,
a potem Sybilla - komisarz ludowy.
Udowodnię im, że jestem ślepy od blasku
promienie przeszywające Rzym,
……………………………….
a następnie siedem kolejnych takich samych zwrotek tekstu, które nie są połączone wspólnym znaczeniem.

Autor z poważnym spojrzeniem zaczął mówić coś naukowo niezrozumiałego. Ale z tego wszystkiego dowiedzieliśmy się tylko jednego: im mniej konkretna treść w wierszach, tym wyżej cenią je miłośnicy i twórcy tego rodzaju sztuki. Ale nawet nasz wielki M.V. Łomonosow (1711-1765) powiedział:
- Ci, którzy piszą ponuro, albo nieświadomie zdradzają swoją ignorancję, albo celowo ją ukrywają. Niejasno piszą o tym, co niejasno sobie wyobrażają.

Wielu pisarzy na Zachodzie również próbowało zadeklarować poezję jako napływ instynktowny, niepodlegający kontroli umysłu. Tak myślał na przykład francuski poeta Stéphane Mallarmé (1842-1898). Zwróciłem jednak uwagę na jedną cechę takich wierszy: deklaracje poetów prawie nigdy nie pokrywają się z praktyką ich twórczości. Myślę, że deklaracje nie są w stanie objąć całego wachlarza uczuć, jakie rodzą się w procesie twórczego przypływu, inspiracji. Deklaracje i manifesty pisane są najczęściej w młodym wieku, kiedy młodzieńczy entuzjazm jest silny, kiedy chce się wszystkiego zaprzeczyć, wszystko zmienić, zrobić po swojemu. Ale z biegiem lat gromadzi się niezbędne doświadczenie, czasami sam światopogląd poety, jego stosunek do twórczości, do zmian życiowych. Na twórczość wpływa również wzrost poziomu kulturalnego autora oraz stosunek czytelnika do niego i uwagi krytyczne itp. Dla niektórych artystów jest kilka takich zmian i jest to całkiem naturalne: życie nie stoi w miejscu, a wraz z nim człowiek. W końcu człowiek nie jest raz na zawsze zaprogramowaną maszyną, ale żywym, myślącym organizmem, czasem ostro reagującym na otoczenie. Takim właśnie autorem był nasz A.S. Puszkin. Zaczynał jako poeta romantyczny, a zakończył jako zagorzały realista. Wydaje się, że sam Mallarme później zmienił swój punkt widzenia na twórczość. W końcu prawdziwy autor nie działa pod natchnieniem, nie pod wpływem jakiegoś zaklęcia. Nie, zawsze chce przekazać myśl (uczucie!) i być zrozumianym przez czytelnika.

Majakowski marzył o tym, by jego ludzie go zrozumieli. Powiedział nawet, że kiedyś powiedzą z mównicy, że poziom rozumienia poezji wzrósł o tyle procent! Dowcipny żart, ale jest w nim dużo prawdy. Prawdziwe, całościowe zrozumienie poezji nie jest dane każdemu. W końcu poezja implikuje nie tylko bezpośrednie znaczenie zawarte w wersach wiersza, ale także to, co znajduje się między wersami, nie jest wyrażone bezpośrednio, ale jest całkiem zrozumiałe dla czytelnika o bogatej wyobraźni, z dużym doświadczeniem w czytaniu poezji. I jakże taki czytelnik wzdrygnie się przed poezją, spotkawszy się z wersami pozbawionymi sensu!
Majakowski w swoich pracach marzył o sobie, nie ufając nikomu, „aby opowiedzieć o czasie io sobie”. To najwyższy cel, jaki kiedykolwiek postawiono przed poezją.

Czym jest prawdziwa lub autentyczna poezja? POEZJA Puszkina, Lermontowa i innych klasyków? To przede wszystkim poezja uczuć. UCZUCIA nie udawane, ale prawdziwe, wylane z głębi duszy! I oczywiście jest to PLOT. Ciekawe, ekscytujące. I wreszcie, to jest POEZJA MYŚLI. Niewielu współczesnych Puszkinowi znało go jako poetę myśli!

Zmusić czytelnika do zastanowienia się nie nad tym, CO poeta chciał powiedzieć, ale JAK to powiedział, zrobił - to zadanie i to bardzo trudne dla każdego prawdziwego poety. Kiedy czytelnik rozwiązuje szarady na temat tego, co autor chciał mu przekazać, POWIĄZANIE między formą a treścią TRACI SIĘ i nie da się ich od siebie oddzielić!
Nie znając treści trudno ocenić stronę artystyczną pracy. Prawdziwa poezja przebije się tylko wtedy, gdy znajdzie prawdziwego, wymagającego, inteligentnego czytelnika. Czytelnik musi dokładnie wiedzieć, czego można wymagać od poezji, czyli znać jej możliwości. I oczywiście musi wiedzieć, czego od niej oczekuje.
Czytając klasykę, staramy się zrozumieć nie treść, ale te środki, które sprawiają, że treść jest genialna! Cóż może być przyjemniejszego dla czytelnika niż takie refleksje. Mam tu na myśli nie tylko czytelnika, ale czytelnika-twórcę, czytelnika-współautora-poetę, który sam chce osiągnąć w swoich utworach tę samą klarowność, prostotę i geniusz.

Praca literacka wymaga dużo czasu i wysiłku. Rzeczywiście, aby być na poziomie swoich czasów, autor musi dużo wiedzieć i widzieć, stale poszerzając swoje horyzonty, czytając, obserwując, komunikując się. Wiedzieć nie tylko fikcja, ale także książki o innych zagadnieniach: filozofia, historia, krytyka sztuki, słowniki i wiele, wiele innych. Ponadto potrzebuje czasu na poważną refleksję nad tym, co przeczytał, nad życiem, nad tym, co napisał itp.
Myślenie jest szczególnie czasochłonne, az biegiem lat staje się koniecznością. Większość czołowych pisarzy zakończyła karierę książkami zawierającymi refleksje na temat życia i pracy. (Twardowski „Na ziemi Elnińskiej”, Paustowski „Opowieść o życiu”). Szczególnie wyraźnie widać to na przykładzie życia i twórczości Lwa Tołstoja. Pod koniec życia zwraca się do gatunku dziennikarstwa, w którym ujawnia swój światopogląd, swoje poglądy na najbardziej palące problemy naszych czasów.

REALIZM

Poszukiwania w literaturze są z pewnością konieczne.
Człowiek zawsze będzie dążył do poznania wszystkich możliwości tego rodzaju sztuki, dotarcia do jej najbardziej skrajnych punktów, kiedy dalsze poszukiwania będą bezużyteczne. Eksperymenty w dziedzinie literatury prowadzono zarówno w starożytności, jak iw późniejszych epokach.

V.Ya.Bryusov (1873-1924) zrobił wiele w dziedzinie formy i treści.
Starał się wcielić w poezję osiągnięcia nauki i techniki, za co powinniśmy być mu wdzięczni. W pełni pokazał wszystkie możliwości techniczne wiersza, ale ilu współczesnych autorów o tym wie?

Cały problem współczesnych eksperymentatorów polega na tym, że mają zbyt niską kulturę i dlatego ich eksperymenty sprowadzają się do powtarzania tego, co już kiedyś zostało stworzone i odrzucone przez kolejne pokolenia.
Słuchaj, Blok zaczynał jako symbolista, a skończył jako realista. Majakowski zaczynał od skomplikowanych konstrukcji stylistycznych, ale doszedł do prostoty, najwyższej jasności i zwięzłości swojego poetyckiego języka. Zostało to szczególnie wyraźnie wyrażone we wstępie do wiersza „Na głos”. Nawet tak zagorzały ego-futurysta i egoista jak Igor Severyanin, mieszkający za granicą, napisał piękne realistyczne dzieła. Czyż nie jest to lekcja poglądowa dla współczesnych modernistów!

Powtarzam, potrzebne jest poszukiwanie. Ale JAK i GDZIE?
Realizm jest jedyną słuszną drogą prawdziwej, a nie fikcyjnej sztuki.
Realizm pozwala zobaczyć życie takim, jakie jest, pozwala czytelnikowi porównać swoje życie z życiem bohaterów książki, pozwala zrozumieć „co jest dobre, a co złe”, jak mówi Majakowski. A to jest szczególnie ważne dla naszej młodzieży: tylko na ścieżce realizmu można w pełni zrealizować swój potencjał i w pełni ujawnić swój talent.

Niestety, nie dla każdego jest oczywiste, że pisanie „o czymś, o czym nie mam pojęcia” nie jest tym, co sprawia, że ​​autor pracuje, tworzy; studiować charaktery i relacje swoich bohaterów, zaglądać w otaczającą przyrodę, szukać lepszego, trafniejszego, barwniejszego słowa do wyrażenia myśli itp. Literatura modernizmu wymaga tylko absurdu: gorzej jest przekręcać frazy, ale o czym one są - co za różnica! To smutne, że jest tak wielu czytelników takich książek...
I to jest żal literatury! To nie jest spekulatywne rozumowanie, ale opinia nauki: takie książki niszczą ludzkie ciało, korodują duszę pesymizmem, niewiarą w siebie…
Mimowolnie przypomniałem sobie słowa Giordano Bruno (1548-1600) - "Sztuka nadrabia braki natury", powiedział cztery wieki temu.
Coś do przemyślenia...

Dziś pochlebna nadzieja jest pochlebna,
A jutro - gdzie jesteś, człowieku?
Gdy tylko minęły godziny,
Chaos poleciał w otchłań,
I wszystko, jak sen, przeminęło twoje stulecie.
GR Derzhavin

Pojęcie nowoczesności w świecie literatury jest bardzo względne. Za nowoczesnego uważa się poetę lub prozaika, którego od czytelnika dzieli nawet czterdzieści lat. Biorąc pod uwagę tempo dzisiejszego życia, szybko zmieniające się realia gospodarcze i polityczne, okres ten jest ogromny. I prawie niemożliwe jest porównanie poezji Rosji Sowieckiej z 1969 roku z poezją Rosji z 2009 roku. Pieriestrojka, upadek Związku Radzieckiego, wprowadzenie gospodarki rynkowej do zwykłego mierzonego życia, zmiana priorytetów w umysłach ludzi nie mogła zmienić współczesnej poezji.

Głównym trendem, jaki można zaobserwować u niemal wszystkich współczesnych autorów, jest zamykanie się w sobie. Kopalnia wewnętrzny świat, ich uczucia, uczucia, refleksje zaczęły interesować poetów znacznie bardziej niż otaczająca ich rzeczywistość. Istnieje na to całkowicie rozsądne wytłumaczenie. Z jednej strony świat zewnętrzny stał się zbyt okrutny, komercyjny i racjonalny dla tych, dla których sens życia tkwi w irracjonalności. Zgadzam się, trudno sobie wyobrazić poetę-tekściarza, który prowadzi wielki biznes odsprzedaży ropy, codziennie gryzie gardła konkurentom, aw przerwach komponuje wiersze o dobru i wieczności. Z drugiej strony zniknęło zapotrzebowanie na brawurowe wiersze o tematyce społecznej i politycznej. Nie trzeba już pisać o projektach budowlanych Komsomołu i rozwoju dziewiczych ziem, aby zostać członkiem Związku Pisarzy. Tak, i zniknęły tematy obywatelskie jako takie. Nawet jeśli chcesz napisać coś patriotycznego i afirmującego życie, znalezienie tematu do inspiracji jest bardzo trudne. O jakich obywatelskich tekstach możemy mówić w czasach, gdy nawet słowo „patriota” było uważane za niemal obraźliwe? Społeczeństwo jest zbyt zmęczone polityką i ideologią, każda próba wprowadzenia do wiersza obywatelskiego motywu przewodniego może zostać odebrana jako propaganda polityczna i odrzucona przez czytelnika.

Pewne zmiany obserwuje się teraz, w latach 2000. Są wiersze o Ojczyźnie, o Rosji. Oczywiście bez aluzji politycznych i najczęściej wśród autorów piosenek. Niestety, nie zawsze o akceptowalnej jakości, tradycje tekstów cywilnych zostały już utracone, ale są też pozytywne przykłady - Alexander Dobronravov, Alexander Shaganov, Andrey Nikolsky. Odżywa zainteresowanie ruchem białogwardyjskim, pojawiają się wiersze o bohaterach wojny domowej i przedrewolucyjnej Rosji.

Na osobne omówienie zasługują wiersze przedstawicieli poszczególnych subkultur młodzieżowych.. Utalentowana młodzież coraz częściej przyłącza się do każdego ruchu, w którym może się wykazać i przyciągnąć uwagę opinii publicznej. Szczególnie charakterystyczna jest masowa twórczość poetycka w grupach gotyckich, etno, folkowych, a także wśród raperów i rockmanów. Różnie można traktować ich twórczość, ale to kolejne oblicze współczesnej poezji, któremu trudno się wyprzeć.

Jeśli chodzi o perspektywy rozwoju współczesnej poezji, można śmiało powiedzieć, że talenty nie wygasły, wiersze się rodzą, a poziom kultury poetyckiej, który gwałtownie spadł na początku lat dziewięćdziesiątych, wykazuje pozytywny trend, które nie mogą nie zachęcać.

10. Kierunki i gatunki w rozwoju poezji w latach 30. XX wieku

Charakterystyczną cechą poezji lat 30. był szybki rozwój gatunek piosenkiściśle związany z folklorem. W tych latach sławny „Katiusza” (M.Isakovsky), „Szeroka jest moja ojczyzna…” (V.Lebedev-Kumach), „Kachowka” (M.Svetlov) i wiele innych.

Aktywnie kontynuowano poezję lat 30. XX wieku linia heroiczno-romantyczna poprzednia dekada. Jej bohater liryczny- rewolucjonista, buntownik, marzyciel, upojony rozmachem epoki, aspirujący do jutra, porwany ideą i pracą. Romantyzm tej poezji zawiera niejako wyraźne przywiązanie do faktu. „Majakowski zaczyna” (1939) N. Aseeva, „Wiersze o Kachetii” (1935) N. Tichonow, „Bolszewikom pustyni i wiosny” (1930-1933) i „Życie” (1934) V. Ługowski, „ Śmierć pioniera” (1933) E. Bagritsky'ego, „Twój wiersz” (1938) S. Kirsanowa – próbki radzieckiej poezji tamtych lat, nie podobne w indywidualnej intonacji, ale połączone rewolucyjnym patosem.

Brzmi i temat chłopski niosąc własne rytmy i nastroje. Twórczość Pawła Wasiliewa z jego „dziesięciokrotnym” postrzeganiem życia, niezwykłą soczystością i plastycznością maluje obraz zaciętej walki na wsi.

wiersz A. Twardowskiego „Mrówka wiejska” (1936), odzwierciedlając zwrot wielomilionowych mas chłopskich do kołchozów, epicko opowiada o Nikicie Morgunce, bezskutecznie szukającym szczęśliwego kraju Murawii i odnajdującym szczęście w kołchozowej pracy. Poetycka forma i poetyckie zasady Twardowskiego stały się kamieniem milowym w historii wiersza radzieckiego. Bliski folkowi wiersz Twardowskiego był częściowym powrotem do klasycznej tradycji rosyjskiej, a jednocześnie wniósł do niej znaczący wkład. A. Twardowski łączy styl ludowy ze swobodną kompozycją, akcja przeplata się z medytacją, bezpośrednim apelem do czytelnika. Ta pozornie prosta forma okazała się bardzo pojemna znaczeniowo.

Pisała głęboko szczere wiersze liryczne M. Cwietajewa, która zdała sobie sprawę z niemożności życia i tworzenia w obcym kraju i wróciła do ojczyzny pod koniec lat 30. Pod koniec tego okresu kwestie moralne zajmowały poczesne miejsce w poezji radzieckiej ( St.Schipachev).

Poezja lat 30. nie tworzyła własnych, specjalnych systemów, ale bardzo pojemnie i wrażliwie odzwierciedlała stan psychiczny społeczeństwa, ucieleśniając zarówno potężny duchowy przypływ, jak i twórczą inspirację ludu.